1.4 Análisis de Histoire(s) du Cinéma de Jean-Luc Godard
Imágenes yuxtapuestas de películas, fotografías, cuadros y textos sin orden aparente alguno, que busca evocar el sentimiento de desorganización. Acompañados de frases poéticas, diálogos de películas, música y sonidos orgánicos, nos rodeamos de un cúmulo de sobre información que se llega a sentir como ruido visual y auditivo. La historia en sí. Esta estructura desordenada refleja la visión fragmentada de Godard y su crítica de la historia del cine.
¿Podríamos ver Histoire(s) du cinéma cómo una historia lineal a la que debemos dar un significado directo o por el contrario, buscar una relación emocional con el contenido que estamos experimentando? Probablemente sería considerado un error querer encontrar un significado objetivo. La serie, así cómo el cine, es capaz de ofrecer una experiencia profunda y transformadora, siendo una exploración artística que requiere y merece una atensión absoluta y un compromiso emocional por parte del espectador.
La serie consta de ocho capítulos que abarcan diversos aspectos de la historia del cine. A continuación, reflexionaremos distintos cuadros, frases, diálogos, y el propio estilo narrativo de la serie.
Cine y Televisión: Validación y Percepción de la Realidad. Godard utiliza una comparación entre el espectador de cine y el espectador de televisión. Menciona que el primero es atraído y el segundo rechazado. Profundizando en la discusión sobre la validación del consumo visual que podemos obtener de cada una. El cine, visto cómo un arte serio y por el contrario la televisión relacionada como un medio accesible pero menos profunda en su impacto. Podríamos reflexionar nuestra propia experiencia con ambos medios que han moldeado nuestra percepción de la realidad en distintas maneras. Logrando entender y apreciar el mundo de una manera única.
Con esta frase podemos entender que el cine es el medio de mayor aprobación social y profundidad emocional. Sin embargo, la televisión tiene el poder de llegar a una audiencia mucho más amplia que el cine, llevando imágenes y narrativas a personas que de otra manera no tendrían acceso.
“Con los colores del luto: el negro y el blanco, la fotografía comenzó a existir”. El blanco y el negro, “los colores del luto”, opuestos directos: luz - oscuridad, vivo - muerto, bueno - malo. Necesarios para crear el nacimiento del arte que obsesionó al mundo entero.
Godard menciona está frase narrada con su propia voz. Un comentario poético y reflexivo con el que entendemos en poco tiempo la anatomía de la fotografía. Estos dos colores representan una dualidad fundamental para la existencia de esta, la presencia y la ausencia de luz que nos permite definir formas en el espacio.
La infancía del arte. Jean-Luc Godard utiliza la frase "la infancia del arte" recurrentemente en "Histoires du cinéma". Sin duda una frase poetica que nos invita a la reflexión. Podría utilizar la frase para anclar su razonamiento en los orígenes del cine, explorando cómo los primeros cineastas abordaron el medio y establecieron las bases sobre las cuales se construiría el futuro del film. Constantemente menciona a los grandes pioneros. Mostrando escenas de Georges Méliès o a los lumiere con la siguiente frase: “esclavo y amo, bobina izq y derecha.” Refiriéndose al nombre de los creadores. Y tal vez al cine como una forma de arte que es tanto técnica como creativamente compleja. También podría estarse refiriendo a la ingenuidad de la infancia en un arte no desarrollado. Por otro lado al ser una serie historica podría estar representando la evolución del arte en sí.
Sobreexposición. La sobreexposición de las escenas puede contar una relación directa entre dos situaciones, ayudarnos a entender quien o desde donde nos están narrando o incluso obtener un nuevo significado de lo que no es, pero parece ser. También podría simbolizar la saturación de imágenes y la banalización de contenido, sin embargo, no dudo que todo el material haya sido meticulosamente escogido por el artista. Tratando de crear una experiencia única y poética.
Me gustaría tomar de ejemplo el final del capitulo cuatro. Sin duda una escena impactante y provocadora. Jean-Luc Godard utiliza dos escenas sobreexpuestas que, al combinarse, generan una reflexion compleja entre el espectador, el cine y la manera en que las imágenes son consumidas y explotadas.
La primer imagen es una sala llena de espectadores, mirando de un lado a otro. Imitando el movimiento de quienes precencian un juego de tenis. Claro irreal pensando que están frente a una pantalla de cine. Podrían representar el deseo de capturar todos los aspectos de la información que se les presenta.
La segunda escena muestra a una pareja en un acto sexual explícito sin ningún contexto narrativo. Es impactante ver como una escena tan pornografía es presenciada por tantas personas en conjunto. Propone la idea del consumo explicito, la banalización del contenido en la nueva era, la información pornográfica en lo más amplio de la palabra. Puede sugerir que los espectadores han sido condicionados a consumir pasivamente contenido con una pérdida de profundidad y reflexión. E includo podría estar representando la obseción del espectador al consumo informativo.
Volviendo a la sobreexposición de ambas escenas podemos ser conscientes del poder de la imagen para impactar y provocar, forzando una reflexión sobre lo que se está viendo y cómo se está viendo.
El Eco. A lo largo de la serie nos encontramos con un diseño sonoro que parece estar desorganizado. No solo en la información que presenta si no que también en los niveles del volumen dando una sensación de caos y sobre-información. Parece incluso estar rompiendo con un estilo en particular, desarrollando a su vez uno nuevo. Una de las constantes en este nuevo estilo es el uso del eco.
Al principio puede ser desconcertante e incluso molesto. Pero la persistencia en este recurso podría estar creando una retención de información subconsciente. También podría estar entrelazando el impacto de un evento en el tiempo. Es decir, un evento histórico podría resonar en el pasado, presente y futuro. Obligando al arte, el cine y al espectador a dialogar con su propia historia. En definitiva, logra crear una atmósfera única. Esta elección estilística subraya la intención de Godard de desafiar las convenciones y provocar una reflexión más profunda sobre el arte cinematográfico y su relación con el tiempo.
¿Busca Godard crear incomodidad al espectador? Los objetivos son completamente desconocidos, más que incomodar podríamos entender que al salirse de la narrativa convencional consigue representar sus ideas de manera subjetiva llevando al espectador a tener su propia reflexión sobre la cinematografía expuesta. El cine experimental, siempre libre a interpretación, suele provocar tanto emocional como analiticamente al espectador en un nivel mucho más profundo que el contenido directo y masticado al que estamos acostumbrados.
La serie no es solo un repaso de cómo el cine ha representado eventos históricos, conflictos bélicos y cambios sociales, sino que también es una meditación filosófica menos preocupada por la narrativa convencional y más interesada en la exploración artística.
